Doutor em Música pela Universidade de São Paulo - USP, é Bacharel em Música, com habilitação em Trombone pela mesma instituição, também é Mestre em Música pela Universidade Estadual de Campinas - Unicamp e em Trombone Baixo pela Liszt Academy of Music na Hungria. É também pós-graduado em Gestão Empresarial. Estudou também na Escola Municipal de Música de São Paulo. Integrou as orquestras: Sinfônica da USP, de Sorocaba, de Santos, de Câmara da USP. Foi professor nas universidades federais de Goiás e Mato Grosso. Atualmente, é coordenador dos cursos de Música da Unyleya de Portugal e do Centro Universitário Católico Ítalo-Brasileiro, Diretor Acadêmico do Instituto Educacional FFT, Diretor do Departamento de Música, Neurociência e Estudos da Mente da Universidade Benhoblô, em Guiné-Bissau, na África. É regente do OzBrass, metais e percussão, regente assistente do Coral Cultura Inglesa. Integra desde 2009 o Musical Beatles Hey Jude e desde 2006 a banda Projeto Coisa Fina, com a qual foi finalista do Grammy Latino.

Rogério Luiz Moraes Costa é professor, compositor, saxofonista e pesquisador. Bacharel e mestre em Música pela Escola de Comunicações e Artes daUniversidade de São Paulo (ECA-USP) e doutor em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP). Desde 2002, é docente do Departamento de Música da ECA-USP, onde atua nos níveis de graduação e pós-graduação. Ministra disciplinas como Harmonia, Contraponto, Composição e Improvisação. Entre 2017 e 2018, foi Coordenador do Programa de Pós-Graduação em Música da ECA-USP. Em 2026 voltou a ocupar esse cargo. Orientou diversos trabalhos de mestrado e doutorado e oferece regularmente seminários avançados com foco em improvisação. Sua atuação acadêmica situa-se no campo das artes, com ênfase em composição, educação musical, teoria e análise. Seu principal foco de pesquisa é a improvisação musical. Suas investigações atuais abordam a improvisação em diálogo com composição, educação, filosofia, tecnologia, ecologia, processos criativos, criatividade coletiva e política, com especial atenção à inclusão social, ao antirracismo e às epistemologias decoloniais. Como intérprete, atua no saxofone e na flauta em projetos dedicados à música experimental, à improvisação idiomática e à improvisação livre. Durante seu doutorado (2002–2003), fundou o grupo de improvisação livre Akronon, em colaboração com os professores Silvio Ferraz e Edson Ezequiel. Em 1990, foi cofundador do grupo brasileiro de jazz Aquilo Del Nisso, com o qual atuou por quinze anos e gravou cinco álbuns. Possui ampla produção sobre improvisação publicada em periódicos acadêmicos, anais de congressos e livros organizados. Atualmente, coordena um projeto de pesquisa na Universidade de São Paulo voltado à improvisação e suas interseções com composição, educação, tecnologia, etnomusicologia, filosofia e ciência cognitiva. A Orquestra Errante, conjunto artístico-pedagógico formado por estudantes de graduação e pós-graduação da USP, constitui a principal plataforma artística associada a essa pesquisa. Em 2009, realizou residência artística e de pesquisa na University of California, San Diego (UCSD), onde trabalhou com os professores David Borgo e Miller Puckette. Entre agosto de 2013 e julho de 2014, desenvolveu pesquisa de pós-doutorado na Université Paris 8 (França), sob supervisão do professor Makis Solomos, com o projeto Improvisação Livre, Novas Tecnologias e a Estética da Sonoridade. Atualmente,  integra o NUSOM – Núcleo de Pesquisas em Sonologia da Universidade de São Paulo, centro de pesquisa financiado pela FAPESP e coordenado pelo professor Fernando Iazzetta.

Improvisar com o vivo: paisagens sonoras, biofonia e composição relacional

Esta intervenção propõe pensar a improvisação musical como prática de composição com o ambiente e com as múltiplas formas de vida que participam de uma paisagem sonora. Em vez de tomar a biofonia apenas como repertório de sons a serem registrados, representados ou incorporados a uma obra, interessa compreendê-la como presença ativa, dotada de temporalidades, ritmos e modos próprios de organização. A partir de pesquisas sobre improvisação livre, sonologia e ecologias da escuta, bem como da experiência desenvolvida com a Orquestra Errante, discutirei situações em que compor deixa de significar ordenar previamente os materiais para tornar-se uma prática situada de atenção, interação e negociação com forças sonoras humanas e mais-que-humanas.

 

Andrea Luyten Ruegg Doutoranda em Comunicação – UNIP, Mestre em Ciências Humanas (UNISA), Pós-Graduação em Intervenção e Prática Sistêmica com Família – Universidade Federal de São Paulo (UNIFESP), Pós-Graduação em Psicopedagogia Educacional, Graduação em Psicologia e Comunicação Social.

Contato: alruegg@yahoo.com ou  

Gabriel Muniz, homem negro, nascido no Recife-PE, reside em Salvador(BA). É realizador audiovisual, designer e artista sonoro. Desde 2018 desenvolve o projeto de documentário/arte sonora OuvidoChão, onde realiza experimentos com cartografias sonoras, audiovisual imersivo e paisagens sonoras afrodiaspóricas. É doutorando em Geografia (UFBA), mestre em Geografia (UFRGS), bacharel em Cinema e Audiovisual (UFPE) e tecnólogo em Design Gráfico (IFPE).

Paisagens Afrossonoras: Escuta Ampliada e Representações Audiovisuais nas Espacialidades Afrodiaspóricas

Esta comunicação propõe uma reflexão sobre a produção do espaço e possibilidades de representações audiovisuais a partir da ideia de Paisagem Sonora Afrodiaspórica - ou Paisagem Afrossonora. Em convergência com o desafio de tensionar as "afinações do mundo" coloniais e hegemônicas para fiar "outras tessituras de escuta", a apresentação abordará uma perspectiva de cosmopercepção afrodiaspórica, onde o corpo é apresentado como totalidade perceptiva na relação com o espaço geográfico. A partir do relato das experiências de imersão artística, representações audiovisuais e cartografias sonoras colaborativas realizadas através do projeto OuvidoChão — junto a comunidades quilombolas e periféricas urbanas e rurais —, partilharemos reflexões sobre como práticas de oralidade e ritualizações do corpo no espaço operam como manifestações do movimento da ancestralidade, perceptível na paisagem. Neste sentido, falaremos de corporeidades negras como instâncias ativas na construção material, simbólica e cosmológica do espaço geográfico.

Ao articular geografia, arte sonora, audiovisual e narrativas imersivas, o trabalho demonstra como a escuta e a fabulação a partir dessas paisagens se convertem em representações sonoras/audiovisuais que colaboram com as comunidades como instrumentos artísticos e políticos de afirmação territorial. A captação de sons em campo para documentários audiovisuais, instalações de arte sonora e a criação de acervos não se limita ao registro estático de um passado, mas propõem metodologias de intervenção criativa no presente. Dessa forma, a escuta ampliada que propomos desde o corpo vem se consolidando como um exercício metodológico e poético fundamental para questionar a hegemonia da cosmovisão ocidental e fiar novas tessituras narrativas, projetando a memória oral e a resistência negra como alicerces para a composição de novas paisagens, de futuros possíveis e para a contínua reivindicação de direitos territoriais.

gaboqueiroz@gmail.com

Marta Fonterrada é radialista, jornalista, designer sonora e pesquisadora de música, sons e escuta. Formada pela FAAP em Rádio e TV (1992), Mestre em Políticas Públicas pela Universidade de Mogi das Cruzes (2014) e doutoranda no programa de Pós Graduação em Música, na linha de pesquisa Sonologia (UNICAMP). Atuou nas Rádios Cultura AM e FM (1992 a 2011), onde atuou com pesquisa,  produção, direção e apresentação de programas. Trabalha no Centro Cultural São Paulo desde 2113, e desde 2017 na Supervisão de Ação Cultural, onde coordena os Laboratórios e Ateliês - que inclui Estúdio da Rádio CCSP, a Folhetaria (Ateliê de Artes Gráficas) e o Laboratório Fotográfico.

Pankararu, êxodo e sobrevivência - Instalação Sonora em captação ESMA A pesquisa Pankararu: êxodo e sobrevivência: entre Brejo dos Padres (PE) e Real Parque (SP) propõe o registro e documentação da paisagem sonora (SCHAFER, 2011) de rituais e depoimentos do povo Pankararu, originário de Brejo dos Padres, Tacaratu, em Pernambuco. Esse grupo participa de processos migratórios a São Paulo e de retorno ao local de origem desde a década de 1940, quando teve início a intensificação do fluxo de deslocamento de trabalhadores do nordeste para as grandes cidades do sudeste (ARRUTI, 1999). Parto de gravações da Missão de Pesquisas Folclóricas de 1938, material existente no acervo histórico do Centro Cultural São Paulo, que propiciou o contato com representantes deste povo. Em 2023 realizamos captação em áudio imersivo de cerimônia Pankararu no Real Parque, Morumbi, através do ESMA 6.1, desenvolvido por José Augusto Mannis no LaSom. A instalação sonora Pankararu, êxodo e sobrevivência, utiliza depoimentos deste povo gravado na Rádio do CCSP, além de registros do acervo de 1938 e a captação deste cerimônia em áudio imersivo. O objetivo do trabalho é  trazer a escuta desse povo, sua realidade, suas crenças ao ouvinte, bem como explorar a espacialização do áudio. Trabalho a escuta do outro, a escuta da paisagem sonora, a escuta ancestral, cultural e a escuta onírica (do encantado), dos sonhos.

Mauricio Ribeiro da Silva: Pós-doutor em Comunicação e Cultura pela Escola de Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro – ECO-UFRJ (2022). É doutor e mestre em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) e arquiteto e urbanista (Escola de Engenharia de São Carlos - USP). Foi presidente da Associação Nacional dos Programas de Pós-graduação em Comunicação - Compós, biênio 2019-2021. É líder do Grupo de Pesquisas em Mídia e Estudos do Imaginário da UNIP e editor da Revista GALÁxIA

Paulo Cesar Baptista é Doutor em Comunicação pela Universidade Paulista (UNIP), Mestre em Artes/Música pela Universidade de São Paulo (USP), Bacharel em Música com habilitação em Trompete pela Faculdade de Artes Alcântara Machado (FAAM) e formado pelo Conservatório Dramático e Musical Dr. Carlos de Campos de Tatuí.

É autor do livro Trompete: História, Pedagogia e Performance (Tipografia Musical, 2017) e de materiais didáticos para cursos de graduação e pós-graduação nas áreas de estética musical, sonologia e história do jazz. Desenvolve pesquisas sobre performance musical, escuta, pedagogia do instrumento, big bands e mediações entre música e mídia.

Pesquisador do MusiMid – Centro de Estudos em Música e Mídia, participou de eventos acadêmicos, palestras e entrevistas voltadas à performance, interpretação e estética musical, incluindo atividades junto à EMESP, ao Conservatório Municipal de Guarulhos, ao Jazz Trumpet Festival e ao Painel Funarte de Bandas de Música.

Atuou como docente em instituições como a Universidade Livre de Música Tom Jobim, o Conservatório de Tatuí, o UniSant'Anna, a EMESP e o Centro Universitário Católico Ítalo Brasileiro. Integra a Banda Savana desde 1988, tendo participado de todos os seus registros fonográficos, além de atuar como trompetista em orquestras sinfônicas, grupos de câmara e big bands.

Marta Castello Branco é professora no Departamento de Música da Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), e do Programa de Pós-Graduação em Artes, Cultura e Linguagens da mesma instituição. Concluiu o doutorado em musicologia na Universidade das Artes de Berlim (Universität der Künste Berlin, 2014), e realizou duas pesquisas de pós-doutorado, no Instituto Aryamarga (Índia, 2018) e na Universidade das Artes de Berlim (Alemanha, 2022). Entre suas publicações estão os livros: Reflexões sobre Música e Técnica (UFBA, 2012), O Instrumento Musical como Aparato (UFJF, 2015), a organização, tradução e apresentação do livro Na Música. Vilém Flusser (Annablume, 2017). Temas atuais de pesquisa incluem a musicologia brasileira, o estudo de acervos musicais, a relação entre música, cultura e sociedade, e o universalismo na música. 

ORCID: http://orcid.org/0000-0002-2926-0215. E-mail: martacastellobranco@yahoo.com.br

A música dos aparatos e os aparatos da música: Vilém Flusser no mundo dos sons

O pensador das novas mídias, Vilém Flusser (1920-1991), viveu no Brasil por mais de três décadas e desenvolveu uma reflexão detida sobre a relação humana com ferramentas, máquinas e aparatos, que representam o objeto técnico de maneira geral. Dividido entre os papeis de funcionário e programador, o ser humano experimenta tanto a obediência cega aos mecanismos técnicos, quanto a possibilidade de determinar suas funções a partir de um jogo criativo e recriador que é exemplificado através da música. Ao apresentar este universo sonoro que compõe seu pensamento, pretendemos delinear possíveis relações entre música e técnica, assim como imaginar novos sons e novos mundos.

Paula Molinari  é artista-pesquisadora, cantora, compositora e professora da Universidade Federal do Delta do Parnaíba (UFDPar). Doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP, realizou pós-doutorado em Artes do Espetáculo na Université Rennes 2 (França) e em Música na UNESP. É professora certificada pelo Centre de VoiX Roy Hart e atual presidente, desta instituição, na França. É criadora da Etnosonia, campo de investigação que articula vocalidade, escuta, cultura e produção de conhecimento, desenvolvido a partir de pesquisas iniciadas no Delta do Parnaíba. Coordena o ETNOSONIA – Grupo de Pesquisa Artística Etnovocal (UFDPar), desenvolvendo pesquisas nas interfaces entre Artes, Pesquisa Artística, estudos da voz e do som, memória, território e Ciências Humanas e Sociais.

Etnosonia: vocalidade, escuta e produção de conhecimento

A apresentação propõe uma aproximação à Etnosonia, campo de investigação desenvolvido por Paula Molinari a partir das relações entre vocalidade, escuta, cultura e produção de conhecimento. Emergindo de experiências artísticas e investigativas situadas inicialmente no território do Delta do Parnaíba, a Etnosonia toma voz e escuta não apenas como objetos de estudo, mas como dimensões constitutivas da experiência e dos modos pelos quais produzimos conhecimento. Em diálogo com a Pesquisa Artística, os Estudos da Voz, os Estudos Sonoros e as Ciências Humanas e Sociais, a proposição interroga a centralidade historicamente atribuída à escrita e à representação e investiga formas de conhecimento que emergem da experiência vocal, sonora, corporal e relacional. A apresentação abordará alguns dos princípios que vêm constituindo a Etnosonia e seus desdobramentos atuais como campo interdisciplinar de pesquisa, criação e formação.

Murilo Alves é maestro, pesquisador e gestor cultural, atualmente como diretor artístico e regente da Orquestra Sinfônica de Mato Grosso (OSMT) e presidente do Instituto Ciranda – Música e Cidadania. É doutorando em Música/Sonologia pela Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), sob a orientação do Prof. Dr. José Augusto Mannis, e realiza estágio doutoral na Université Paris 8 (França) por meio do programa CAPES/Cofecub, com coorientação do Prof. Dr. Makis Solomos. Sua linha de pesquisa transita de forma interdisciplinar entre a ecologia sonora, o áudio imersivo, a bioacústica, a criação musical e a educação musical e ambiental. É mestre em Estudos de Cultura Contemporânea, bacharel em Regência e licenciado em Educação Artística/Música pela Universidade Federal de Mato Grosso (UFMT), instituição na qual também colaborou como professor substituto pelo período de cinco anos.

Sua formação em regência orquestral teve início com Flávia Vieira e Érika Hindrikson. Ao longo de mais de uma década, aperfeiçoou-se em cursos e festivais, sob a orientação de regentes como Daisuke Soga, Osvaldo Ferreira, Isaac Karabtchevsky e Roberto Tibiriçá. Complementando sua especialização no exterior, frequentou o Aruba Symphony Festival, orientado por Osvaldo Ferreira, e o The Conductors Institute no Bard College, em Nova York, orientado por Harold Farberman e Eduardo Navega.

A partir de experiência educacional com o educador Tim Steiner em concertos didáticos realizados em Londres, esteve à frente de mais de uma centena de concertos didáticos integrados às temporadas oficiais da Orquestra do Estado de Mato Grosso. Pelo Instituto Ciranda, participou também do IX Fórum da Juventude da UNESCO, em Paris, no ano de 2015.

Nos últimos anos dirigiu concertos com grandes expoentes da música brasileira, tais como Ivan Lins, Nelson Ayres, Mônica Salmaso, Tiê, Carlos Malta, Daniel D’Alcântara, Vittor Santos, Radegundis Feitosa, Sérgio Galvão, Nailson Simões e Itiberê Zwarg. No audiovisual, colaborou com o cineasta Perseu Azul na concepção e composição de trilhas sonoras originais para os filmes Dois bois e Outro lugar.

Pantanal Mato-Grossense: desdobramentos em processos de educação e criação musical

Na pesquisa investigamos a relação entre a paisagem sonora de ambientes naturais e os sistemas de áudio imersivo, aplicando essa articulação a ações de educação musical e ambiental, criação composicional e performance. Fundamentado na ecologia acústica de R. Murray Schafer, Makis Solomos e Bernie Krause, e nas estruturas biomusicais de François-Bernard Mâche, o estudo adota o Pantanal Mato-Grossense (região de Porto Jofre) como campo de amostragem bioacústica. A investigação avalia em que medida o ambiente sonoro natural, mediado por tecnologias de espacialização, atua no desenvolvimento de abordagens pedagógicas e criativas no ensino de música, além de contribuir para a conscientização sobre pautas ecológicas e de consciência ambiental.

A metodologia articula incursões de campo e experimentação laboratorial. As atividades práticas envolvem a captura de áudio multicanal em 360 graus na região pantaneira, seguida por sessões de escuta e análise no Laboratório de Acústica e Artes Sonoras (LASom) da Unicamp. Tanto para as gravações de campo como para a difusão sonora espacializada, utiliza-se o dispositivo de áudio imersivo hexagonal desenvolvido pelo Prof. Dr. José Augusto Mannis, orientador do trabalho. 

No âmbito pedagógico e artístico, o estudo vincula-se às ações do Instituto Ciranda – Música e Cidadania e da ONG Juara Foundation. Por meio do programa Pantanal Aventura Sonora, estruturam-se oficinas interdisciplinares e atividades de escuta imersiva direcionadas ao desenvolvimento de habilidades musicais e à conservação ambiental. No campo da criação e da interpretação contemporânea, explora-se a incorporação de técnicas instrumentais estendidas, improvisação livre e variação sonoras a partir do ecossistema local.

Anselmo Guerra é professor titular da Universidade Federal de Goiás (UFG). Graduado em Composição e Regência pela UNESP (1986), possui mestrado em Ciência da Computação pela Universidade de Brasília (UnB, 1992) e doutorado em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP (1997). Realizou pós-doutorado em Computer Music no Instituto de Artes da UNESP (2012) e foi pesquisador visitante no Center for Research in Computing and the Arts (CRCA), da Universidade da Califórnia, San Diego (1995/6). Possui experiência na área de Artes, com ênfase em Música, Ciência e Tecnologia, atua principalmente nos temas de Composição Musical, Música Eletroacústica, Música Contemporânea e Interatividade. Foi coordenador do Mestrado em Música da UFG por três mandatos e vice-presidente da Sociedade Brasileira de Música Eletroacústica (SBME). Atualmente, é editor da Música HODIE, revista do Programa de Pós-graduação em Música da UFG, onde também atua de vice-coordenador.

" Da paisagem sonora à ecologia da escuta: ambiente, tecnologia e atenção"

A contribuição de R. Murray Schafer foi fundamental para compreender o ambiente como campo de escuta e para formular criticamente as transformações da paisagem sonora moderna. Entretanto, diante das atuais formas de mediação tecnológica, conceitos como hi-fi e lo-fi exigem reconsideração. Ao congestionamento acústico das cidades soma-se hoje um congestionamento da atenção, produzido pela sobreposição entre sons ambientais, dispositivos móveis, fones de ouvido, plataformas de streaming e sistemas algorítmicos. Propõe-se, assim, deslocar a discussão de uma ecologia dos sons para uma ecologia da escuta, compreendendo a paisagem sonora como relação dinâmica entre ambiente, tecnologia, corpo, cultura e atenção. Em diálogo com a fenomenologia do gesto de Vilém Flusser e com perspectivas da música eletroacústica, discute-se como os dispositivos tecnológicos não apenas reproduzem sons, mas instauram regimes de percepção e modulam formas de subjetividade. Nesse contexto, a criação musical pode atuar como laboratório da atenção, promovendo o descondicionamento perceptivo e novas relações com o ambiente. Se Schafer nos ensinou a perguntar “como soa o mundo?”, cabe hoje perguntar também: como estamos sendo ensinados a escutá-lo?

Felipe Panelli é cantor, compositor, professor e pesquisador formado em Composição Musical pela Unesp, onde cursa mestrado em performance vocal com pesquisa em improvisação. Integrou o Coral Jovem do Estado de São Paulo, e atuou em diversas óperas como parte do coro e em papéis solistas. Representou o Brasil no festival de música folk EthnoEstonia em 2025 (Estônia e Letônia). Faz parte do Calêndula, quarteto vocal voltado para o repertório de música antiga.

Da artecompostagem à composição, na pesquisa baseada em prática artística

A ARTECOMPOSTAGEM se propõe como uma cultura de articulação entre teorias e práticas no âmbito do N'Me, o núcleo de estudos sobre metodologias de pesquisa do grupo AV:A / UNESP - Auralidade e Vocalidade nas Artes. Nesse contexto, a composteira se faz da série de encontros nos quais participamos das práticas uns dos outros, instaurando o plano em comum que funciona como a primeira camada de um solo onde as singularidades se implicam em favor de composições individuais e coletivas. Inspirados na agroecologia e no processo transformador da geração de substratos que potencializam crescimentos, propomos a ARTECOMPOSTAGEM, ela própria, como uma prática geradora de condições para que as pesquisas baseadas em arte aconteçam como processos reiterados de devoração e produção de substratos férteis. Assim buscamos resistir à predominante tendência de validar o fazer artístico pela configuração final de seus produtos e aplicações, e seguir a tendências de conhecimentos que se dão na sua própria base. Na oportunidade deste encontro, apresentamos a ARTECOMPOSTAGEM por meio de uma antologias de trabalhos que se fizeram nes abordagem.

Wladimir Mattos é doutor em Música pela UNESP - Universidade Estadual Paulista, dedica-se a atividades de pesquisa, ensino, performance e produção musical. Professor do Instituto de Artes da UNESP, atua nos cursos de Bacharelado e Licenciatura em Música e nos programas de Pós-Graduação em Arte e Música, com atividades e produções relacionadas aos temas das pedagogias e práticas do canto, teorias e práticas de aprendizagem musical, relações entre música e linguagem verbal. Desde 2007 desenvolve um trabalho de performance e produção musical especialmente orientado à primeira infância, nas interfaces de arte, educação e outras áreas do conhecimento. Desde 2018, com a criação do grupo AV:A - Auralidade e Vocalidade nas Artes, dedica-se ao estudo e experimentação de procedimentos de pesquisa acadêmica baseados em práticas artísticas, culminando, em 2021, com a publicação do manifesto ARTECOMPOSTAGEM, que dá nome à abordagem metodológica das pesquisas atualmente realizadas no âmbito deste grupo.

Da artecompostagem à composição, na pesquisa baseada em prática artística

A ARTECOMPOSTAGEM se propõe como uma cultura de articulação entre teorias e práticas no âmbito do N'Me, o núcleo de estudos sobre metodologias de pesquisa do grupo AV:A / UNESP - Auralidade e Vocalidade nas Artes. Nesse contexto, a composteira se faz da série de encontros nos quais participamos das práticas uns dos outros, instaurando o plano em comum que funciona como a primeira camada de um solo onde as singularidades se implicam em favor de composições individuais e coletivas. Inspirados na agroecologia e no processo transformador da geração de substratos que potencializam crescimentos, propomos a ARTECOMPOSTAGEM, ela própria, como uma prática geradora de condições para que as pesquisas baseadas em arte aconteçam como processos reiterados de devoração e produção de substratos férteis. Assim buscamos resistir à predominante tendência de validar o fazer artístico pela configuração final de seus produtos e aplicações, e seguir a tendências de conhecimentos que se dão na sua própria base. Na oportunidade deste encontro, apresentamos a ARTECOMPOSTAGEM por meio de uma antologia de trabalhos que se fizeram nessa abordagem.

Jhonatan Mata é jornalista, doutor em Comunicação pela Ecopós-UFRj/Blanquerna School de Barcelona. É docente permanente do Programa de Pós- Graduação em Comunicação da Universidade Federal de Juiz de Fora- UFJF, onde coordena o Grupo de Pesquisa Sinestelas (CNPq) e o projeto de Treinamento Profissional "Música para olhos e ouvidos". É autor dos livros "O amador no audiovisual" (Ed. UFJF) e 'Um telejornal pra chamar de seu" (Ed. Insular). É poeta nas horas semi-vagas, com prêmios no Festival de Poesia da UFSJ, Editora Jogo de Palavras e Plataforma Sweek. Organizou os dossiês "Música Entretelas" (Revista Musimid" e "A visualização da música" (Revista Lumina). 

Juliano de Oliveira é doutor (2017) em música pela ECA/USP na área Processos de Criação Musical, com tese indicada ao Prêmio USP e Prêmio Capes É autor do livro "A Significação na Música de Cinema", lançado em 2019 pela Paco Editorial. Suas principais atividades de pesquisa envolvem música de cinema, música eletroacústica e significação musical.

Laura Loguercio Cánepa é jornalista e pesquisadora de cinema. É Doutora em Multimeios pelo IAR-Unicamp (2008), Mestre em Ciências da Comunicação pela ECA-USP (2002) e graduada em Jornalismo pela FABICO-UFRGS (1996). Concluiu, em 2014, Pós-Doutorado no Departamento de Cinema, Televisão e Rádio da ECA-USP, sob a supervisão de Rubens Machado Jr. Em 2019, foi pesquisadora visitante na School of Languages, Cultures and Societies da Universidade de Leeds, sob a supervisão de Stephanie Dennison. Atualmente, é docente do Programa de Pós-Graduação em Comunicação da Universidade Paulista, UNIP. Foi Coordenadora (2014-2013) e Docente (2009-2023) do Programa de Pós-Graduação em Comunicação da Universidade Anhembi Morumbi. É coordenadora do seminário temático Estudos do Insólito e do Horror no Cinema e no Audiovisual, da SOCINE (biênios 2022-2024 e 2025-2027). É líder do Grupo de Pesquisa "Narratopias - Narrativas, Temporalidades e Tecnologias da Comunicação" (UNIP). Em 2018, recebeu o Prêmio Luis Beltrão de Ciências da Comunicação (Liderança Emergente) concedido pela INTERCOM. Foi editora dos periódicos INSÓLITA - Revista Brasileira de Estudos Interdisciplinares do Insólito, da Fantasia e do Imaginário (2021-2023) e REBECA - Revista Brasileira de Estudos de Cinema e Audiovisual, da SOCINE (2013-2015).

é um cineasta, artista interdisciplinar e pesquisador afro-norte-americano cuja obra aborda identidade, memória, diáspora africana, espiritualidade e arquivos familiares. Nascido no Bronx, em Nova York, em 1962, viveu parte da juventude na Tanzânia, experiência que influenciou profundamente sua visão artística e política. Formou-se em Biologia pela Harvard University e posteriormente realizou estudos em cinema e vídeo no Bard College. Atualmente atua como professor de Film & Media Studies e Black Studies na Yale University.

Seu trabalho combina documentário, autobiografia, performance, fotografia e práticas colaborativas, frequentemente explorando narrativas afro-diaspóricas e histórias marginalizadas. Entre seus filmes mais conhecidos estão Through a Lens Darkly: Black Photographers and the Emergence of a People, premiado pela NAACP, Twelve Disciples of Nelson Mandela e É Minha Cara / That's My Face.

Harris também desenvolveu projetos de forte caráter social e participativo, como o Digital Diaspora Family Reunion e a série televisiva Family Pictures USA, que utiliza fotografias de famílias para discutir identidade, memória e pertencimento nas comunidades dos Estados Unidos.

Ao longo da carreira, recebeu bolsas e distinções de instituições como a Fundação Rockefeller, Guggenheim Fellowship e Sundance Institute, além de exibições em festivais como Sundance, Berlim e Toronto

Doutora em Comunicação e Semiótica pela Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), com estágio junto à Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais (EHESS, Paris) e pós-doutoramento junto ao Deptº. de Cinema, Rádio e Televisão (CTR/ ECA-USP). Estuda as relações entre semiótica da música e semiótica da cultura e mídia. Líder do Centro de Estudos em Música e Mídia (MusiMid). É idealizadora dos Encontros Internacionais de Música e Mídia, realizados desde 2005. Docente titular junto ao Programa Pós-Graduação e Cultura Midiática da Universidade Paulista (UNIP). Membro da diretoria (editora) da Associação Latinoamericana para o Estudo da Música Popular (IASPM-AL), (2014-2016; 2016-2018); integrante do Grupo GRIMCEL (Universidade de Oviedo) e Caravelas - Núcleo de Estudos da História da Música Luso-Brasileira (CESEM, FCSH-UNL). Editora da Revista Brasileira de Estudos em Música e Mídia. Páginas: www.musimid.mus.br. Revistamusimid.com.br. Contato: musimid@gmail.com

Doutor em Comunicação pela UNIP - (Universidade Paulista) desenvolve projeto de pesquisa intitulado: Da selva de pedra ao sertão... Abrindo veredas para brilhar: um estudo sobre a cultura midiática da música sertaneja. Mestre em Comunicação e Cultura Midiática pela UNIP, em 2019. Em 2018 participou com o capítulo “Os Amantes da Rancheira”  para a coletânea México: Corazón Musical de Latinoamérica. Destaque para a dupla sertaneja brasileira Pedro Bento e Zé da Estrada. Graduado em Comunicação social – Jornalismo pela UNP. Pós-Graduado em Jornalismo Cultural em 2015 pela FIAM-FAAM - (Centro Universitário). Cantor, compositor, radialista – área de Locução, com formação pelo SENAC, músico e ator com formação em curso de Artes Visuais.

Mestra (2022) e Doutora (2026) pelo Programa de Pós-Graduação Stricto Sensu em Comunicação da Universidade Paulista (PPGCOM/UNIP), com bolsa PROSUP/CAPES. Graduada em Comunicação Social, com ênfase em Jornalismo, pela UNIP (2011), formada em Arte Dramática pelo Teatro Escola Macunaíma (2016) e pós-graduada em Comunicação Pública (2019). Servidora pública desde 2011 na Universidade Federal de São Paulo, atuando no Departamento de Comunicação Institucional. Participante do grupo de pesquisa “Narrativas da memória: representações, identidades e culturas”, da Unip, pesquisadora da Rede Brasileira de Pesquisadores de Memória e Comunicação (Rememora) e integrante do Centro de Estudos em Música e Mídia (Musimid).

Yuri Behr é doutor em  processos de criação musical e compositor, atua como pesquisador na área de criação e cognição. Suas obras eletroacústicas têm sido apresentadas em diversos festivais, como o Paysage Composée na cidade de Grenoble, na França. Também se dedica ao repertório sinfônico, sua obra Gromovnik foi estreada em 2025 pela Orquestra de Câmara da USP. Desenvolve atividades junto ao MusiMid, mais especificamente sobre a música nos anos de 1970.

Rodrigo Carreiro é  professor do PPGCOM da Universidade Federal de Pernambuco, onde cursou Mestrado e Doutorado em Comunicação. É bolsista de Produtividade em Pesquisa do CNPq, com estágio pós-doutoral na Universidade Federal Fluminense (RJ). Pesquisa som e gêneros fílmicos populares, especialmente horror e thriller. Escreveu 55 artigos e sete livros, inclusive "O som no cinema de horror" (Editora da UFPR, 2023) e "O som do filme: uma introdução" (Editora da UFPR, 2018, com Débora Opolski e João Godoy).

Iracema de Andrade obteve o título de Doutora em Música (violoncelo), com Menção Honrosa, pela Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), onde também recebeu a Medalha “Alfonso Caso” ao Mérito Acadêmico. Na Inglaterra, cursou o mestrado na University of West London e obteve tanto o Fellowship Diploma quanto o Certificate of Advanced Studies pelo London College of Music. No Brasil, graduou-se em Música pela Universidad de São Paulo. Atualmente, atua como pesquisadora associada no Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, onde coordena o seminário Música, Cuerpo y Pensamiento: Investigación Artística y Práctica del Performance Contemporáneo, em colaboração com o Programa de Posgrado en Música de la UNAM. Recebeu ainda o Primeiro Prêmio de Desempenho Acadêmico em Pesquisa de 2024, concedido pelo Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), e é membro do Sistema Nacional de Creadores de Arte, México.

Realizou numerosos recitais de música contemporânea em importantes salas de concerto no México, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Argentina, Cuba e Escócia. Participou também de transmissões ao vivo da BBC Radio 3, em Londres; Radio UNAM; Opus 94 e Radio Educación, além de realizar numerosas estreias de obras contemporâneas. Sua discografia inclui projetos solo como Aleaciones (2020), Voces Electroacústicas (2014) e Electro-Acústico (2010), este último indicado em duas categorias do Latin Grammy Awards de 2011. Como criadora, foi selecionada para realizar residências artísticas em instituições como EMS Elektronmusikstudion, Estocolmo, Suécia (2025); HANGAR Music Artistic Research Center, Lisboa, Portugal (2023); Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, Michoacán, México (2018); e OMI International Arts Center, Ghent, Nova York, Estados Unidos (2013).

Como conferencista, participou de encontros acadêmicos internacionais, entre eles as Electroacoustic Music Studies Network Conferences, Paris, 2025; México, 2019; e Argentina, 2007; a International Conference on Artistic Research, University of Galway, Irlanda, 2026, e Universidad de Oporto, Portugal, 2025; a International Conference on the Histories of Media Arts, Universidad de Aalborg, Dinamarca, 2019; o encontro La musicología aplicada al concierto: Estudios sobre la interpretación en acción, Universidad Internacional de Andalucía, Espanha, 2016 ; o Simposio Internacional Mujeres en la Música, Universidad de Costa Rica, 2020 e 2022; e as Journées d’Étude: Soixante Ans de Musiques Mixtes, Université Paris-Sorbonne, França, 2012. Atuou como parecerista das revistas Entreciencias: Diálogos en la Sociedad del Conocimiento (ENES León, UNAM), Organized Sound (Cambridge University Press), Journal for Artistic Research (JAR) e ESCENA, Revista de las Artes (Universidad de Costa Rica). Colaborou com o jornal El Semanario, onde foi responsável pela coluna Música y Arte Sonoro, e integra os conselhos editoriais das revistas Música Hodie, Sonus Litterarum e Vórtex Music Journal. Integra também o quadro de orientadores do Programa de Posgrado en Música de la UNAM e do Doctorado en Artes e Interdisciplina del INBAL.

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Por uma ecologia da música e do som. O vivo, o mental e o social na música, nas artes sonoras e nos artivismos de hoje

A conferência apresentará o livro de mesmo título, publicado em inglês (Routledge) e em francês (Les presses du réel). A obra explora as ecologias da música e do som, inspirando-se em Félix Guattari, para quem as destruições ambientais provocadas pelo capitalismo caminham lado a lado com a degradação dos modos de vida e de sentir, e para quem a posição ecosófica — combinando diversos registros ecológicos — oferece uma perspectiva de emancipação. São examinadas, assim, as relações com o vivo, o mental e o social, tanto sob a ótica da história da música quanto da dos artivismos atuais — especialmente nos campos da ecologia acústica, da música contemporânea e das artes sonoras —, a partir de figuras artísticas como Hildegard Westerkamp, ??Agostino Di Scipio, Jean-Luc Hervé, Francisco López, Chris Watson ou Iannis Xenakis, bem como de muitos outros artistas contemporâneos. Diversos debates teóricos e analíticos são abordados: a teoria dos meios sonoros e as biopolíticas do som; as composições baseadas em paisagens sonoras, o *field recording*, a ecomusicologia e a criação de biótopos sonoros; a escuta como construção do comum, os processos de subjetivação e capacitação, bem como o uso do som e da música para fins de violência; as funções sociais ou políticas da música e a autonomia da arte; os ecofeminismos sonoros ou a ideia de decrescimento na música.